Justyna Ryczek
marzec 15, 2014
Zawieszeni w czasoprzestrzeni istniejemy poprzez utratę konkretnej obecności. Jesteśmy „zniknięci, nieobecni” jak dodaje Olga Tokarczuk.
Podróże są różne, jak wiemy…
Joanna Imielska jeden ze swoich tekstów rozpoczyna słowami:
„Któregoś listopadowego dnia rozpoczęłam swoją podróż… Jest to punkt wyjściowy, zaznaczony na skali czasu, data symboliczna – ważna jedynie dla mnie. Z tego pierwszego punktu zaczęłam wyprowadzać linię…a na tej linii pojawiały się, co jakiś czas kolejne punkty…a te kolejne punkty to ważne zdarzenia i ważne osoby.”
Efektem tej podróży są prace oraz czas mierzony poszczególnymi realizacjami. Kolejne cykle rysunków, grupy obrazów, jak prowadzone dzienniki, są zapisem trwającej przez lata podróży wewnętrznej. Artystka świadomie zatrzymuje wspomnienia upływających dni, miesięcy, zmiany pór roku. Liczony, zauważany czas, który znika z map naszego życia. Obok niego rozwija się linia skierowana ku przyszłości.
Nasza podróż rozpoczyna się w momencie wkroczenia na wystawę. Podążamy za kompasem wyrysowanych linii. Pogrążeni w spokojnej kontemplacji, znikamy „pomiędzy” rzeczywistością a sztuką. Niczym uważni detektywi śledzimy powolnie rozwijające się linie, cienkie, delikatnie zakreślane, ale w swej nieuchronności paradoksalnie mocne i nierozerwalne. Wśród nich odnajdujemy pozostawione przez artystkę ślady: doznań, refleksji, poszukiwań i prób odnalezienia. Nieprzerwane trwanie, jak zapis linii papilarnych świata. Zauważamy również proste kształty figur geometrycznych: koło, kwadrat, trójkąt. Geometria kojarzy się z uporządkowaniem, odgórnie wprowadzonym ładem, Imielska jedynie korzysta z geometrii, nie stawia jej w centrum. Przywołuje te kształty, na wzór ważnego wspomnienia, a może głęboko skrywanej tęsknoty za prostotą i pewnością świata. Pamiętajmy tak częste w filozofii, a także nieobce sztuce, połączenie geometrii z możliwością poznania i oddania prawdziwego bytu. W dzisiejszym świecie nawet, jeżeli zwątpiliśmy w istnienie metafizycznego bytu, nadal podejmujemy próby zbliżenia się do miejsc, które on zajmował. W twórczości Joanny Imielskiej owa próba przejawia się poprzez zainteresowanie procesem życia, czasowym trwaniem człowieka, jego zanurzeniem w świecie i w relacje teraźniejszości zarówno wobec przeszłości, jak i przyszłości. Odwołując się do Heideggera moglibyśmy powiedzieć, że artystka w centrum swej sztuki stawia bycie–w-świecie, które zawsze rozwija się w czasie. Tworzenie również wymaga czasu, tym bardziej, że rysunki Joanny Imielskiej są bardzo pracochłonne. Konsekwencja w tworzeniu umożliwia głębokie, namacalne doświadczanie czasu. Czasami Czas znajduje się na pierwszym planie, stając się tytułem cyklu.
Grzegorz Sztabiński pisząc o postawie artystycznej Joanny Imielskiej, szczególnie widocznej w cyklu Czas, zauważa jej podobieństwo z założeniami słynnych „obrazów liczonych” Romana Opałki. W obu przypadkach otrzymujemy specyficzne zapisy czasu, jednak, gdy zanikające liczby Opałki są śladem czasu linearnego, jednego konkretnego czasu, który nieustannie upływa, to linie Imielskiej sugerują „nakładania się wielu wymiarów czasu” . Każda liczba to ślad minionego, utraconego czasu; kształty kreślone linią zachowując różnorodność, cyklicznie powtarzają się ujawniając złożoność czasu, jego wewnętrzne odczucie nie musi zlewać się z zewnętrznymi przejawami upływających chwil. Opałka rywalizuje z czasem, zatrzymuje go, a jednocześnie pokazuje jego nieodwracalne działanie na swojej twarzy. Imielska akceptuje wieloznaczność czasu, podkreśla jego egzystencjalny charakter. Śledząc wielorakie przejawy czasu w naturze, akcentuje ich wzajemne przenikanie się. Czas natury może stać się czasem człowieka, dlatego artystka tak często odwołuje się do niej. Faktura liścia, jego delikatnie zaznaczana forma, plątanina miniaturowych gałązek, czy pofalowane kształty przypominające amebowe stworzenia morskie, jak w rysunkach z cyklu Czas na ogrody. Pierwotność wykreślonych pól może wywoływać skojarzenia z biologicznym dziedzictwem ludzkości, przecież człowiek stanowi cząstkę natury. Zielone płachty rozwijających się fałd sugerują wspólnotę – roślin, najdrobniejszych stworzeń i człowieka, jedność połączona anatomią życia. Znaków takiego połączenia mamy wiele, ale nauczyliśmy się kulturowo je ignorować. „Przepływające przez nas powietrze informuje, że nie jesteśmy zamknięci w sobie, izolowani ani ograniczeni, przeciwnie – wykraczamy ku otwartej przestrzeni, która nas ogarnia i umożliwia zjednoczenie z całością, w jakiej istniejemy. – pisze Jolanta Brach-Czaina – Można powiedzieć, że jest to dostępna każdemu, naturalna forma mistycznego doświadczenia świata, na którą nie zwracamy uwagi.” Czasami pomocne w zauważeniu mogą stać się subtelne linie kreślone ręką artysty/artystki. One wyznaczają kierunek naszych poszukiwań. Jednak drogi bywają pogmatwane i kręte i nie każda podróż musi zakończyć się sukcesem. Stąd ostatnio tworzony cykl nosi nazwę Labirynt.
W tych pracach linie zagęszczają się i krzyżują, często zamknięte przez okalające je odmienne kształty. Czy jest wyjście z tytułowego labiryntu? A jeżeli labiryntem jest nasze życie, to czy jedynym „wyjściem” jest jego kres, czyli śmierć? W spokojne wcześniej rysunki wkrada się niepokój i niepewność, a może była tam od zawsze…
Równocześnie, niektóre Labirynty przypominają wschodnie mandale, kruche, chwilowe zapisy piasku oddające porządek wszechświata. Jak wiatr rozwiewa doskonałe symbole, tak każda następna chwila zamazuje prosty obraz rzeczywistości. W opisywanych rysunkach, głęboko ukryta, drzemie świadomość niemożności przedstawienia świata w uporządkowany, prosty sposób. Nie znaczy to, że powinno się zaniechać takich prób.
Działalność artystyczna Joanny Imielskiej nie wypełnia się jedynie w rysunkach. Obok nich artystka tworzy obrazy. Gdy zestawimy rysunki z malarstwem widać z jednej strony wyraźną różnicę, a z drugiej uporczywe kroczenie własną drogą. Rysunki utrzymane są głównie w jednej, często stonowanej kolorystyce – brązy, zielenie, szarości. Gdy pojawia się wyraźniejszy akcent kolorystyczny, na przykład plama czerwieni, jest ona zgaszona i stłumiona. Tymczasem malarstwo to feeria kolorów, wielość skrzących się, żywych barw. Obrazy skompononowane są z rozbuchanych, aktywnych, różnokolorowych elementów, jakby potwierdzając, że istotną cechą malarstwa jest użycie koloru. Chociaż z czasem coraz bardziej zostają poddane porządkowi linii, zamknięte w geometrię figur – kwadrat, trójkąt czy koło. Dwa odmienne podejścia współkonstytuują dojrzałą wypowiedź artystyczną, w której wspólne pozostają rozważane problemy. Powstaje sztuka otwarta i wrażliwa.
Konsekwentnie odbywana Podróż trwa…
[EN] Justyna Ryczek („Journey in Time, around Time, through Time…”, 2008[1]
“When I set off on a journey, I disappear from maps. No one knows where I am, still at the starting point or already at my intended destination? Is there any “in-between”?[2]Suspended in time-space we exist through a loss of particular presence. We are “lost, absent”, adds Olga Tokarczuk.
Journeys come in all shapes and sizes, as we know…
Joanna Imielska begins one of her texts with the following passage: “I started my journey on a day in November…
This is the point of departure, marked on the time axis, a symbolic date of importance only for myself. I began to draw a line starting with this first point…ever new points appeared on this line every now and then…these were the significant events and important persons.”[3]
The journey results in particular works and in individual projects measured in time. Successive series of drawings, groups of paintings, as diary entries, are a record of a lifelong inner journey. The artist deliberately retains memories of days and months past, of the changes of the seasons of the year. This is measured, noticeable time which disappears from our life maps. A line heading into the future develops next to it.
Our journey begins when we enter the exhibition. We follow the compass of drawn lines. Immersed in quiet contemplation, we disappear “in-between” reality and art. Like watchful detectives we track the unfolding, thin and gingerly delineated lines, which are paradoxically durable and unbreakable in their inevitability. Among these lines we come across
traces left by the author; these are traces of experiences, reflections, pursuits, and discovery attempts. Incessant existence, as a record of fingerprints of the world. We also make note of simple shapes of geometric forms: circle, square, triangle. We associate geometry with a pre-determined order; Imielska only makes use of geometry but does not put it in the centre. She avails herself of the above shapes as if they stood for some important memory, or perhaps an underlying longing for the simplicity and reliability of the world. We should remember the combination of geometry with the possibility of cognition and capture of true being, so frequent in philosophy and arts. In today’s world, even if we doubt the existence of a metaphysical being, we continue to attempt to come closer to the places that it used to occupy. In Joanna Imielska’s oeuvre this attempt is manifest in her interest in the life process, the existence of the human being in time, man’s immersion in the world and in the present moment in its relation to the past and future. We might say after Heidegger that the artist focus specifically on being-in-the-world, which invariably progresses through time.
Creation likewise needs time, all the more so that Joanna Imielska’s drawings are very time consuming and laborious. Consistency in creation facilitates a profound and tangible experience
of time. At times, Time occupies the focal point, furnishing the title to a suite of works.
When commenting on Joanna Imielska’s artistic stand, especially visible in the Time series, Grzegorz Sztabiński indicates its similarity to the assumptions of Roman Opałka’s famous pictures featuring rows of numbers. In both cases we obtain unique records of time, the difference being that Opałka’s vanishing figures are a trace of linear time, a single particular time that passes incessantly, while Imielska’s lines suggest “the superimposition of multiple time dimensions”[4].Each figure constitutes a trace of the time past and lost; the outlined diverse shapes repeat cyclically, laying bare the complexity of time, its inner sense that needs not coincide with the external manifestations of passing moments. Opałka competes against time, halts it, at the same time showing its irreversible working on his face. Imielska accepts the ambiguity of time and highlights its existential character. Tracing the multiple manifestations of time in nature, she stresses their overlapping and intertwining. The time of nature may be the time of man, and therefore the artist so often refers to nature. The texture of a leaf, its delicate construction, a tangle of miniature twigs or wavy shapes resembling amoeba-like marine creatures, as in the drawings of the Garden Time series. The primordial character of the drawn sections may trigger associations with humanity’s biological heritage, since the human being is after all part and parcel of nature. Green patches of unfolding creases are indicative of a community composed of plants, the minutest of creatures, and man. This is a community united by the anatomy of life. Each and every one of us possesses multiple traces of such a union, but we have come to ignore them in/through culture. “The air that passes through us informs us that we are not self-contained, isolated, or limited; on the contrary, we venture towards an open space which enfolds us, making it possible to unite with the whole in which we exist”, says Jolanta Brach-Czaina. “We can say that this is a commonly accessible, natural form of a mystic experience of the world that we miss.”[5]Sometimes our observations may be helpfully triggered by the subtle lines that an artist draws. They signpost our pursuits. However, roads may be tangled and
pot-holed and not all journeys must be successful. Hence the author has recently been at work on the Labyrinth cycle. In the works of the cycle the lines grow dense, intersect with one another, and are frequently contained within the different surrounding shapes. Is there a way-out of this labyrinth? Or, if our life is a labyrinth, is its end, or death, the only possible “wayout”? The drawings, so calm and serene a moment earlier, are all of a sudden expressive of unrest and
uncertainty, which on second thought may have been there all the time… At the same time some Labyrinths resemble eastern mandalas, fragile and transient records in the sand that reflect the order of the universe. As the wind blows off perfect symbols, so does every successive moment blur a simple image of reality. Underpinning the drawings under consideration there is a lurking awareness of the impossibility of representing the world in an ordered and simple manner. This does not mean, however, that we should cease to try. Joanna Imielska’s artistic pursuits are not confined to drawings only. She also paints. When we compare drawings with paintings we can on the one hand observe a marked difference, on the other hand we note the artist’s consistent following her own path. In the drawings we mainly see one, often subdued colour palette – browns, greens, and greys. When a more pronounced colour accent appears, for instance a patch of red, it is likewise subdued and muffled. Paintings, on the other hand, are a veritable colour feast, a multiplicity of bright, even garish hues. Paintings are composed of exaggerated, active, and
varicoloured elements, as if to prove that the use of colour is a constituent element of painting. Still, in time they are more and more subject to the order of the line, confined to the geometry of figures, i.e. square, triangle, or circle. Two different approaches that jointly contribute to a mature artistic expression, where the problems considered remain a common denominator. An open and sensitive art is born.
The Journey consistently goes on…
[1] The title refers to the title of Wolf Vostell’s famous happening In Ulm, um Ulm und um Ulm herum[In Ulm, near Ulm and around Ulm] (1964).
[2]O. Tokarczuk, Flights, trans. J. Croft, New York: Riverhead Books, 2018.
[3]The artist’s statement from archival materials.
[4]G. Sztabiński, review of the artistic output in connection with the second degree qualification procedure, artist’s archive.
[5]J. Brach-Czaina, Błony umysłu [Membranes of the Mind], Warszawa: Wydawnictwo Sic!, 2003, p. 28.